Bryan solo tiene que llevar una carga médica de un hospital a otro. El problema es que debe hacerlo en Raccoon City, justo cuando una infección biológica convierte la ciudad en un lugar donde quedarse sin balas puede ser peor que quedarse sin gasolina.

Ese punto de partida resume bien lo que Zach Cregger intenta con Resident Evil: Noche Cero. La película no adapta directamente uno de los videojuegos ni recurre a Leon, Jill o Claire. Su apuesta es distinta: trasladar al cine la sensación de estar jugando Resident Evil.

Bryan, interpretado por Austin Abrams, ayuda mucho a conseguirlo. No es policía ni soldado, no sabe manejar armas y tampoco parece preparado para convertirse en héroe. Corre, se equivoca, improvisa y sobrevive como puede. Esa vulnerabilidad devuelve a la franquicia algo que varias adaptaciones cinematográficas habían perdido: el miedo de no estar preparado para lo que viene.

La película avanza casi como una partida. Bryan atraviesa carreteras heladas, bosques, casas, túneles y finalmente Raccoon City, mientras administra armas, municiones y heridas. Cregger utiliza algunos recursos visuales que recuerdan los videojuegos, pero sin convertirlos en un truco permanente.

También funciona la decisión de contar una historia nueva. La ausencia de los personajes clásicos evita comparaciones constantes y permite que Umbrella, Raccoon City y las criaturas funcionen como parte de un universo conocido, pero sin obligar al espectador a conocer toda la historia de Capcom.

El humor es otra diferencia importante. Noche Cero combina terror, gore y situaciones absurdas sin caer completamente en la comedia. Austin Abrams encuentra un buen equilibrio entre el miedo y el desconcierto, mientras los efectos prácticos aportan peso a las mutaciones, heridas y escenas más violentas.

La película pierde algo de fuerza cuando aumenta la escala y se acerca a su tramo final. El espectáculo sustituye parte de la tensión inicial y algunos personajes secundarios pasan demasiado rápido por la historia. Aun así, mantiene un ritmo suficientemente agresivo como para no quedarse estancada.

Lo más interesante es que Resident Evil: Noche Cero puede alejarse de las historias conocidas y, aun así, sentirse cercana a los videojuegos. No porque copie personajes o escenarios, sino porque recupera algo más básico: entrar en un lugar oscuro, revisar lo que queda en el arma y sospechar que probablemente no será suficiente.

Cregger no intenta convertir el videojuego en película.

Intenta convertir en cine la sensación de jugarlo.

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Por el momento, Paramount no ha confirmado oficialmente el reparto, el argumento ni la fecha de estreno. Tampoco se conoce quién escribirá el guion, por lo que todavía es muy pronto para asegurar si será una continuación directa de la película de 2003 o una nueva historia construida alrededor de la misma marca.

La posible incorporación de Feig es el primer movimiento importante conocido alrededor del proyecto.

Paul Feig negocia para dirigir la secuela

Paul Feig es reconocido principalmente por su trabajo en comedias como Bridesmaids y Ghostbusters, pero también ha demostrado interés por el suspenso y los personajes que esconden secretos.

El director estuvo detrás de A Simple Favor y su continuación, Another Simple Favor, dos producciones que combinaron misterio, humor y giros narrativos. Más recientemente dirigió The Housemaid, el thriller protagonizado por Sydney Sweeney y Amanda Seyfried y basado en la novela de Freida McFadden.

Su experiencia mezclando diferentes tonos podría ofrecer una perspectiva distinta para una nueva entrega de The Italian Job, especialmente si Paramount pretende actualizar la fórmula para una nueva generación.

La película original de 2003 fue dirigida por F. Gary Gray y reunió a Mark Wahlberg, Charlize Theron, Jason Statham, Edward Norton, Seth Green, Mos Def y Donald Sutherland.

La historia seguía a un grupo de especialistas que, después de ser traicionados por uno de sus compañeros, preparaba un elaborado plan para recuperar un cargamento de oro. Las persecuciones protagonizadas por varios Mini Cooper se convirtieron en una de las imágenes más recordadas de la película.

¿Regresarán Mark Wahlberg y Jason Statham?

La participación del reparto original continúa siendo la gran incógnita. Hasta ahora no se han reportado negociaciones con Mark Wahlberg, Charlize Theron, Jason Statham ni los demás integrantes del elenco.

El regreso de Wahlberg como Charlie Croker y de Statham como Handsome Rob representaría un importante atractivo para el público que conoció la película en 2003. Sin embargo, Paramount también podría utilizar el proyecto para presentar un nuevo equipo de ladrones y desarrollar una historia independiente.

La propia naturaleza de The Italian Job permite cambiar los personajes, el lugar del atraco y su objetivo sin abandonar los elementos centrales de la franquicia: un gran golpe, un equipo especializado, traiciones y espectaculares persecuciones.

Una franquicia nacida de otro clásico

La película de 2003 era, a su vez, una reinterpretación del clásico británico The Italian Job, estrenado en 1969 y protagonizado por Michael Caine.

Aunque ambas producciones compartían el título, la presencia de los Mini Cooper y la temática de los atracos, la versión dirigida por F. Gary Gray desarrolló personajes y una historia diferentes.

La cinta de 2003 recaudó aproximadamente US$176 millones en todo el mundo con un presupuesto estimado de US$60 millones. Su desempeño llevó a considerar una continuación titulada The Brazilian Job, pero aquel proyecto nunca llegó a concretarse.

Más de dos décadas después, Paramount vuelve a contemplar la posibilidad de continuar la franquicia.

El proyecto apenas comienza

Las conversaciones con Paul Feig no garantizan que la película llegue inmediatamente a producción. El estudio todavía deberá contratar a un guionista, definir la historia y decidir si recuperará a los actores originales.

Aun así, el desarrollo de una nueva The Italian Job abre la puerta a una de esas reuniones capaces de despertar la nostalgia del público. Ver nuevamente a Mark Wahlberg y Jason Statham preparando un gran golpe sería una poderosa carta de presentación, pero por ahora ningún regreso está confirmado.

Después de 23 años, los motores vuelven a encenderse. Falta saber quién estará detrás del volante.

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En medio de la investigación, las declaraciones de su madre, Lesley Vogel, volvieron a poner el foco sobre la relación que la actriz mantuvo durante años con Brian Hickerson, quien fue su pareja intermitente y quien había sido condenado por delitos relacionados con violencia doméstica contra Panettiere.

Vogel habló públicamente con NBC News y expresó su preocupación por la influencia que Hickerson tuvo en la vida de su hija. La madre de la actriz afirmó que la persona de la que la familia llevaba tiempo intentando alejarla era precisamente Brian Hickerson, y señaló que él se encontraba con Panettiere cuando murió.

“Creo que Hayden era una persona con un talento increíble en muchos ámbitos”, expresó Vogel, al tiempo que describió las dificultades que enfrentó su hija durante sus años en la industria del entretenimiento.

Brian Hickerson estaba con Hayden Panettiere cuando murió

Uno de los elementos que más ha llamado la atención en la investigación es que Brian Hickerson y su hermano Zach Hickerson se encontraban en el lugar cuando las autoridades llegaron tras una llamada al 911.

De acuerdo con el informe policial citado por medios estadounidenses, Zach Hickerson identificó a Panettiere como la novia de su hermano. Brian, por su parte, habría mostrado a los agentes una bolsa con medicamentos pertenecientes a la actriz.

Los servicios de emergencia acudieron al inmueble después de recibir un aviso relacionado con un paro cardíaco. Los paramédicos encontraron a Panettiere inconsciente y realizaron maniobras de reanimación, pero no pudieron salvarla. La actriz fue declarada muerta en el lugar.

Un audio del despacho de emergencias hizo referencia a una posible sobredosis, aunque este dato no ha sido confirmado oficialmente por las autoridades. La autopsia inicial tampoco habría encontrado signos evidentes de trauma que explicaran el fallecimiento.

Por ahora, la causa oficial de la muerte de Hayden Panettiere permanece pendiente de los resultados de pruebas adicionales, incluidas las toxicológicas. Por ello, cualquier referencia a una sobredosis debe considerarse una hipótesis o información preliminar y no una causa de muerte confirmada.

La relación con Brian Hickerson estuvo marcada por acusaciones de violencia

La relación entre Hayden Panettiere y Brian Hickerson comenzó alrededor de 2018 y estuvo marcada por numerosas rupturas, reconciliaciones y episodios de violencia doméstica.

La propia actriz relató en sus memorias, “This Is Me: A Reckoning”, experiencias de abuso físico durante una relación que identificó como una de las etapas más oscuras de su vida.

Panettiere describió discusiones que terminaron en agresiones físicas y aseguró que llegó a sufrir lesiones que la obligaron a permanecer alejada de la vida pública durante períodos prolongados.

Los antecedentes judiciales de Hickerson también forman parte de esta historia. En relación con un caso de 2020, Brian Hickerson se declaró no culpable en su momento de algunos cargos y posteriormente no impugnó dos delitos graves relacionados con lesiones a una pareja, por los que recibió una condena que incluyó prisión, libertad condicional, clases sobre violencia doméstica y una orden de protección.

En mayo de 2026, Hickerson habló públicamente sobre las memorias de Panettiere y reconoció que había bebido en exceso y que se había vuelto violento durante uno de los episodios por los que fue arrestado.

A pesar de este historial, Panettiere había dicho anteriormente que ambos habían retomado el contacto como amigos.

Director de una de sus últimas películas asegura que “algo no estaba bien”

Las declaraciones de la madre de Hayden Panettiere coinciden con las recientes palabras de Griff Furst, director de “A Breed Apart”, una de las últimas películas en las que trabajó la actriz.

Furst recordó en un video publicado en redes sociales que Brian Hickerson estuvo con Panettiere durante el rodajey que desde el primer momento percibió que algo no estaba bien con la intérprete.

El director explicó que el equipo de seguridad de la producción le había advertido que había algo extraño después de recoger a Panettiere en el aeropuerto. Posteriormente, Furst se acercó a saludarla a ella y a Hickerson.

Según su relato, Panettiere se mostró amable y entusiasmada con el proyecto, pero él percibió que “no estaba bien”.

Furst también aseguró que, después de haber trabajado en más de un centenar de películas, había visto muchas situaciones complicadas y que la energía que percibió en la habitación de la actriz era especialmente oscura.

El realizador señaló además que pensaba que Panettiere estaba mejorando después de la publicación de sus memorias y que incluso habían conversado recientemente sobre la posibilidad de trabajar nuevamente juntos. Por eso, dijo, la noticia de su muerte resultó todavía más dolorosa.

Una carrera marcada por el éxito y años de dificultades personales

Hayden Panettiere comenzó su carrera artística siendo muy pequeña y alcanzó reconocimiento internacional gracias a personajes como Claire Bennet en “Heroes” y Juliette Barnes en “Nashville”. También interpretó a Kirby Reed en la franquicia cinematográfica “Scream”.

Sin embargo, detrás de su éxito profesional, la actriz atravesó durante años diferentes dificultades personales, entre ellas problemas de adicción y depresión posparto.

Panettiere también habló públicamente sobre el impacto que tuvo en su vida la maternidad y las dificultades que enfrentó durante una etapa particularmente complicada de su carrera.

En 2026 había comenzado a hablar con mayor apertura sobre algunas de esas experiencias a través de sus memorias, en las que hizo un recuento de episodios dolorosos de su vida y de su relación con el abuso y las adicciones.

La publicación del libro había sido vista por personas cercanas a su entorno profesional como una señal de recuperación. El propio Griff Furst aseguró que tenía la impresión de que la actriz estaba mejorando y que incluso contemplaban volver a trabajar juntos.

La investigación sobre la muerte de Hayden Panettiere continúa

Mientras familiares, amigos y seguidores intentan asimilar la muerte de la actriz, las autoridades continúan investigando qué ocurrió durante las horas previas a su fallecimiento.

La presencia de Brian Hickerson y su hermano en el apartamento, los antecedentes de violencia doméstica de la relación, las declaraciones de la madre de Panettiere y los recuerdos de personas que trabajaron con ella han generado nuevas preguntas.

Sin embargo, hasta que las autoridades publiquen los resultados definitivos de la investigación, no existe confirmación de que Hickerson tenga responsabilidad alguna en la muerte de la actriz.

La madre de Panettiere ha adelantado que colaborará con un detective para intentar esclarecer las circunstancias que rodearon los últimos momentos de su hija.

Por ahora, la única certeza es que Hayden Panettiere murió a los 36 años, dejando atrás una carrera que comenzó en la infancia y una historia personal que, en sus últimos años, estuvo marcada por el intento de superar profundas dificultades.

La investigación deberá determinar finalmente qué ocurrió aquella tarde de agosto y cuál fue la causa oficial de su muerte.

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Esta alianza representa un paso natural y largamente esperado entre dos organizaciones que comparten el compromiso de impulsar el cine independiente, promover el pensamiento crítico y descubrir nuevas voces del cine mundial. Además, fortalece la presencia de FIPRESCI en Norteamérica, ampliando el intercambio entre críticos internacionales y estadounidenses, y consolidando su participación en uno de los escenarios más influyentes para el cine independiente.

Fundada en 1925, FIPRESCI reúne a críticos y periodistas especializados en cine de más de 80 países. A través de sus jurados internacionales, publicaciones e iniciativas culturales, la organización promueve la cultura cinematográfica, fomenta el análisis crítico y fortalece el diálogo entre distintas culturas y regiones del mundo.

Por su parte, el Festival de Cine de Sundance, creado en 1978, es considerado la principal plataforma del cine independiente internacional. A lo largo de su historia ha impulsado la carrera de numerosos cineastas y se ha convertido en un punto de encuentro esencial para la exhibición de nuevas propuestas cinematográficas.

Una alianza para fortalecer el cine independiente

El director del Festival de Sundance, Eugene Hernandez, destacó la importancia de esta colaboración en una etapa de transformación para el certamen.

“En este año trascendental de nuevos comienzos para el Festival de Sundance, estamos fortaleciendo nuestros vínculos con la comunidad cinematográfica mundial a través de esta alianza con FIPRESCI. Esta colaboración ofrecerá un importante reconocimiento a cineastas internacionales debutantes y reforzará nuestra misión compartida de conectar a narradores de todo el mundo con sus audiencias, impulsar las voces del cine independiente y respaldar el papel fundamental de la crítica cinematográfica.”

Mientras tanto, el presidente de FIPRESCI, Ahmed Shawky, señaló que este acuerdo coincide con un momento histórico para ambas instituciones.

“La próxima edición inaugurará un nuevo capítulo en la historia del festival, ya que el Festival de Sundance inicia su transición hacia su nueva sede en Boulder, Colorado. Simbólicamente, este proceso de renovación coincide con la llegada de FIPRESCI al festival. Ambas instituciones creen en el cine como un espacio para el descubrimiento artístico, el intercambio cultural y el diálogo, por lo que esta alianza surge de manera natural mientras FIPRESCI entra en su segundo siglo de historia y Sundance inicia una nueva etapa de crecimiento.”

Dos premios para las mejores óperas primas internacionales

El nuevo jurado de FIPRESCI estará integrado por tres críticos de cine internacionales, quienes evaluarán las óperas primas participantes en las competencias de Largometraje de Ficción Internacional y Largometraje Documental Internacional.

Como resultado de su labor, el jurado entregará dos Premios FIPRESCI, uno a la Mejor Película de Ficción y otro al Mejor Documental, reconociendo las propuestas más sobresalientes de nuevos realizadores.

La organización informó que la composición oficial del jurado y los criterios de selección serán anunciados en los próximos meses.

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Durante cinco temporadas, Beth Dutton y Rip Wheeler fueron mucho más que dos personajes dentro de Yellowstone. Se convirtieron en una de las parejas más sólidas y complejas de la televisión, capaces de sobrevivir a traiciones, pérdidas, guerras familiares y todo tipo de tragedias sin perder esa conexión que los hizo inolvidables para millones de espectadores.

Por eso, cuando se anunció Dutton Ranch, la pregunta era inevitable: ¿qué más quedaba por contar sobre ellos?

Después de escuchar a Kelly Reilly y Cole Hauser durante la conferencia internacional de prensa, la respuesta parece mucho más clara.

No se trata de repetir la fórmula de Yellowstone.

Se trata de descubrir quiénes son Beth y Rip cuando todo aquello que definía sus vidas quedó atrás.

Y, curiosamente, ese mismo desafío también lo vivieron los propios actores.

Volver a empezar… aunque conozcas al personaje de memoria

Después de interpretar durante años a Beth Dutton, cualquiera pensaría que para Kelly Reilly regresar al personaje sería casi automático.

No lo fue.

La actriz reconoce que, de alguna manera, sintió una incertidumbre muy parecida a la del primer día de Yellowstone.

Mientras recuerda aquel proceso, hace una breve pausa antes de responder, como si todavía intentara encontrar las palabras exactas para describir esa sensación.

La diferencia, explica, es que ahora ya conocía perfectamente quién era Beth. Lo complicado era descubrir quién podía llegar a ser.

En Yellowstone, el equipo había construido una dinámica que funcionaba casi de memoria. Después de tantos años, todos entendían el tono de la serie, la forma de trabajar y el camino que seguían los personajes. Con Dutton Ranch, gran parte de esa comodidad desapareció.

Había nuevos escritores.

Nuevos directores.

Un nuevo escenario.

Y, sobre todo, una nueva historia que contar.

Cole Hauser no tarda en sumarse a esa reflexión. Para él, el cambio fue mucho más grande de lo que el público podría imaginar.

No era simplemente trasladar a Rip de un lugar a otro.

Era empezar otra vez.

“Dejamos atrás una manera de trabajar”, reconoce el actor, convencido de que salir de esa zona de confort terminó siendo algo positivo para todos.

Beth ya no pelea por el pasado… ahora intenta construir un futuro

Uno de los momentos más interesantes de la conversación llegó cuando Kelly Reilly habló sobre la evolución de Beth Dutton.

Durante años, su vida giró alrededor de una sola misión: proteger a su padre y defender el legado de la familia Dutton.

Hoy ese propósito ya no existe.

Y esa ausencia cambia absolutamente todo.

Más que enfrentarse a un nuevo enemigo, Beth parece enfrentarse a una pregunta mucho más difícil: ¿quién es cuando deja de vivir para alguien más?

No es casualidad que Kelly Reilly describa esta nueva etapa como una oportunidad para explorar aspectos del personaje que nunca habían tenido espacio dentro de Yellowstone.

Habla de una mujer que intenta construir una vida junto a Rip, descubrir cómo sería convertirse en una figura maternal y, al mismo tiempo, aprender a convivir con todas las cicatrices que arrastra desde hace años.

Eso sí, nadie debería pensar que la Beth explosiva desapareció.

La actriz sonríe cuando lo menciona.

Esa versión sigue ahí.

Sigue siendo impulsiva, desafiante y capaz de incendiar cualquier habitación con una sola mirada.

La diferencia es que ahora también existe una mujer que quiere encontrar algo parecido a la paz.

Y quizás ese sea el cambio más grande que veremos en Dutton Ranch.

No porque Beth haya dejado de ser Beth.

Sino porque, por primera vez, parece dispuesta a descubrir quién puede ser lejos de la guerra que marcó prácticamente toda su vida.

Rip también está aprendiendo a vivir una vida diferente

Si Beth Dutton intenta descubrir quién es sin el peso de su pasado, Rip Wheeler enfrenta un desafío distinto.

Durante años fue el hombre que resolvía los problemas de la familia Dutton. El que nunca dudaba. El que parecía mantener la calma incluso cuando todo se venía abajo.

Pero, según Cole Hauser, esa tranquilidad nunca significó que Rip fuera un hombre sin heridas.

De hecho, explicó que siempre imaginó al personaje como un guerrero.

No de los que reaccionan impulsivamente, sino de los que, cuando el peligro aumenta, hacen exactamente lo contrario: bajar las revoluciones.

El actor recordó incluso un libro sobre un torero español que leyó hace años y que terminó influyendo en la construcción del personaje. Mientras todos esperarían que el miedo acelerara el corazón, el protagonista del libro experimentaba lo contrario: su pulso disminuía y encontraba una calma absoluta en medio del caos.

Así decidió interpretar a Rip desde el primer día.

Esa serenidad, sin embargo, tiene un precio.

Todo lo guarda para sí.

Y cuando finalmente baja la guardia, casi siempre frente a Beth, aparecen el dolor, la culpa, el cansancio y todas esas emociones que rara vez permite mostrar.

“No deja de ser un hombre roto”, reconoce Hauser, convencido de que esa vulnerabilidad es precisamente lo que hace que el personaje siga evolucionando después de tantos años.

Una pareja que sigue funcionando porque nunca ha dejado de ser auténtica

Después de tanto tiempo compartiendo pantalla, resulta inevitable preguntarse por qué Beth y Rip siguen conectando con el público.

La respuesta de Kelly Reilly no gira alrededor de los grandes discursos románticos.

Para ella, el secreto siempre ha sido mucho más sencillo.

Nunca dejaron de elegirse.

Incluso cuando estaban separados.

Incluso cuando parecían incapaces de entenderse.

Incluso cuando el mundo que los rodeaba parecía derrumbarse.

Para la actriz, ambos personajes representan un amor profundamente imperfecto, pero también una lealtad que rara vez se ve en televisión.

Cole Hauser escucha la respuesta y sonríe.

Cuando llega su turno, resume toda esa relación en apenas tres palabras.

“Amor, honor y amistad.”

No hace falta mucho más.

Y hubo un detalle que me llamó especialmente la atención.

La conferencia fue completamente virtual. Kelly Reilly estaba conectada desde un lugar, Cole Hauser desde otro, separados por cientos —o quizá miles— de kilómetros. Sin embargo, bastaba escucharlos hablar el uno del otro para notar la confianza que han construido durante todos estos años. La pantalla los mantenía físicamente lejos, pero la complicidad seguía siendo exactamente la misma.

No es difícil entender por qué Beth y Rip continúan siendo una de las parejas favoritas de los seguidores del universo Yellowstone.

Cuando llegaron Annette Bening y Ed Harris, todos elevaron el nivel

Uno de los momentos más distendidos de la conferencia llegó cuando le preguntaron a Kelly Reilly cómo había sido recibir a Annette Bening dentro del universo de Dutton Ranch.

La actriz soltó una sonrisa antes de responder.

¿Algún ritual de bienvenida?

“Ninguno. Es Annette Bening. Ella no necesita presentación.”

Lejos de hablar de jerarquías, Reilly prefirió destacar la calidad humana de la actriz y la energía que llevó al rodaje.

La describió como una intérprete inquieta, siempre proponiendo nuevas ideas y obligando a quienes compartían escena con ella a mantenerse alerta.

Incluso confesó que el primer día de trabajo juntos los nervios le jugaron una mala pasada y olvidó parte de sus líneas.

Después descubrió que Annette Bening también estaba nerviosa.

Y eso, paradójicamente, terminó rompiendo el hielo.

Tampoco dejó pasar la oportunidad para elogiar a Ed Harris, a quien considera otro de los grandes responsables de elevar el nivel interpretativo de la serie.

Escucharla hablar de ambos transmite algo que pocas veces se percibe en una rueda de prensa: admiración genuina.

Lo que viene… sin entrar en spoilers

Como era de esperarse, nadie quiso adelantar demasiado sobre el futuro de la serie… y tranquilos, aquí tampoco vamos a arruinarles la experiencia con spoilers.

Lo que sí quedó claro es que Kelly Reilly y Cole Hauser sienten que Dutton Ranch apenas está comenzando.

Ahora que la primera temporada sentó las bases, ambos quieren profundizar todavía más en sus personajes y explorar caminos que hasta ahora no habían recorrido.

Se nota que hay entusiasmo.

También confianza.

Y, sobre todo, muchas ganas de demostrar que esta historia puede sostenerse con identidad propia, sin vivir únicamente de la sombra de Yellowstone.

Ahora solo queda esperar

Habrá que tener un poco de paciencia.

Si todo marcha según lo previsto, será en 2027 cuando volvamos a encontrarnos con Beth Dutton y Rip Wheeler.

Y, personalmente, hay algo que me deja bastante tranquilo.

Con los años he aprendido que cuando el nombre de Taylor Sheridan aparece vinculado a una producción, casi siempre sucede lo mismo: las siguientes temporadas encuentran la forma de elevar la apuesta y superar lo que parecía difícil de mejorar.

Ojalá Dutton Ranch siga ese mismo camino.

Porque después de escuchar a Kelly Reilly y Cole Hauser, da la impresión de que tanto ellos como sus personajes todavía tienen mucho camino por recorrer.

Y, siendo sincero, después de esta conversación, la espera por la próxima temporada se va a hacer bastante larga.

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Aquí no vemos a una heroína armada desde la calma o la esperanza, sino a una chica marcada por un duelo no resuelto, con una forma caótica de enfrentar la vida. Desde el arranque, la película deja ver esa diferencia: Supergirl sale a celebrar su cumpleaños en un lugar donde el sol le quita los poderes y le permite sentir como cualquier otra persona, entregándose al exceso, al descontrol y a esa necesidad de escapar de lo que lleva por dentro. Ese enfoque le da al personaje una dimensión mucho más humana, más rota y también más interesante. Además, la presencia de Krypto, a quien conocimos en el Superman de Gunn, suma bastante al carisma de la propuesta.

Uno de los mayores aciertos de la película es justamente cómo marca la distancia entre Superman y Supergirl. Mientras él representa una idea más luminosa, ella viene atravesada por el dolor de haber vivido la destrucción de Kriptón de otra manera, y eso endurece su mirada y su manera de actuar. Ahí está buena parte de la fuerza de la película: en mostrar que no es una “Superman femenina”, sino una superheroína con rasgos propios, con conflictos propios y con decisiones que solo ella tomaría. Milly Alcock logra sostener muy bien esa versión del personaje y le da presencia, personalidad y vulnerabilidad.

Lo que menos me funcionó fue el villano. Aunque hay una intención visual que por momentos recuerda a Mad Max, ese antagonista no termina de conectar ni de estar a la altura del viaje emocional de la protagonista. Aun así, Supergirl (2026) funciona porque entretiene, presenta muy bien al personaje y deja claro que hay espacio para una historia profunda y diferente dentro de este nuevo universo. Y eso, para una película que tenía la tarea de hacer que el público volviera a mirar a Supergirl en serio, ya es un logro importante.

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Durante la conferencia de prensa internacional de la segunda temporada de “Sugar”, hubo algo que llamó especialmente la atención. Aunque la serie regresa con nuevos misterios, una conspiración más grande y referencias a su sorprendente componente de ciencia ficción, Colin Farrell pasó gran parte de la conversación hablando sobre temas mucho más terrenales: la empatía, la soledad y la capacidad de seguir creyendo en las personas.

Lejos de enfocarse únicamente en el hecho de que John Sugar es un extraterrestre viviendo entre humanos, el actor irlandés insistió en que la esencia del personaje sigue siendo otra. Para Farrell, lo más interesante de Sugar no es su origen, sino su profunda convicción de que todavía existe bondad en el mundo.

“Lo más hermoso de interpretarlo es su decencia fundamental”, comentó el actor durante el encuentro con la prensa internacional. “Ha visto la violencia y la crueldad de cerca, pero mantiene una creencia muy profunda en la bondad de los seres humanos”.

Una segunda temporada más oscura, pero también más emocional

La primera temporada sorprendió a la audiencia al combinar los códigos clásicos del cine noir con un inesperado giro de ciencia ficción, revelando que el detective privado que recorría las calles de Los Ángeles no era exactamente humano.

Ahora, con ese secreto ya descubierto, la serie toma una dirección diferente.

La nueva historia encuentra a John Sugar completamente solo. Después de los acontecimientos del final de la primera temporada, sus compañeros regresaron a su planeta de origen, dejándolo aislado en la Tierra mientras continúa buscando respuestas sobre la desaparición de su hermana.

Según explicó Farrell, esa sensación de aislamiento define gran parte del recorrido emocional del personaje.

“Por primera vez está completamente solo en la Tierra. Está luchando con esa sensación de aislamiento y eso afecta la forma en que se mueve por el mundo”, señaló.

Esa soledad se convierte en uno de los motores narrativos de la temporada, alejándose del tradicional detective duro y emocionalmente distante que suele dominar el género noir.

Una historia que se aleja de las mansiones y se acerca a las calles

Uno de los cambios más interesantes de esta nueva entrega es su representación de Los Ángeles.

Mientras la primera temporada se desarrollaba principalmente entre productores de Hollywood, mansiones y sectores acomodados de la ciudad, los nuevos episodios trasladan la acción hacia comunidades menos exploradas en televisión, especialmente Koreatown y otras zonas del este angelino.

La investigación principal gira en torno a la desaparición de Ji Moon, hermano de Danny Moon, una joven promesa del boxeo. Lo que parece ser un simple caso de persona desaparecida pronto se transforma en una red de corrupción, violencia y conspiraciones que alcanza distintos niveles de poder dentro de la ciudad.

Este cambio de escenario no es casual.

Los productores han explicado que la intención era mostrar una versión más auténtica y multicultural de Los Ángeles, una ciudad marcada por las historias de inmigración, la diversidad cultural y los contrastes sociales.

Durante la conferencia, Farrell destacó precisamente esa riqueza cultural como uno de los aspectos más fascinantes de la ciudad.

“Hay muchísimas culturas experimentando Los Ángeles de maneras diferentes. Es un lugar extraordinario y siempre fascinante”, afirmó.

El detective más optimista del noir moderno

Quizás el aspecto más singular de Sugar sea que desafía algunas de las reglas más conocidas del género detectivesco.

Durante décadas, personajes como Philip Marlowe o los investigadores clásicos del noir fueron definidos por el cinismo, la desconfianza y una visión pesimista de la naturaleza humana.

John Sugar es exactamente lo contrario.

En la conferencia, Farrell reconoció que esa diferencia fue precisamente una de las razones por las que aceptó interpretar el personaje.

Mientras otros detectives suelen estar emocionalmente endurecidos por la violencia que los rodea, Sugar sigue observando a las personas con curiosidad, compasión e incluso asombro.

Esa característica adquiere todavía más importancia en la segunda temporada, donde el personaje comienza a involucrarse emocionalmente de formas que antes evitaba.

Una vez desaparecida la obligación de limitarse a “observar y reportar”, la línea que lo separa de los humanos comienza a difuminarse cada vez más.

“Está cambiando”, explicó Farrell. “Es alguien que deja entrar al mundo. Es extremadamente empático. Siente a las personas y siente todo lo que ocurre a su alrededor”.

Colin Farrell encuentra un nuevo reto después de ‘The Penguin’

Tras el éxito de su transformación en Oz Cobb en “The Penguin”, Farrell vuelve a un personaje completamente diferente.

Si el despiadado villano de Gotham estaba impulsado por la ambición y la violencia, John Sugar representa casi el extremo opuesto: un hombre que intenta ayudar a los demás incluso cuando eso implica sacrificarse a sí mismo.

Esa dualidad fue uno de los temas abordados durante la conferencia, donde Farrell reflexionó sobre la violencia, la condición humana y la facilidad con la que las personas justifican sus acciones más oscuras.

“Es difícil ser humano”, reconoció el actor. “Cuando vemos las noticias o lo que ocurre en el mundo, es importante recordar que también hay muchísimas personas haciendo cosas extraordinarias todos los días”.

Esa mirada optimista parece estar profundamente conectada con la esencia de Sugar, una serie que utiliza el misterio y la ciencia ficción como vehículo para hablar de temas mucho más universales.

Una serie que apuesta por las emociones por encima de las respuestas

Después del impactante giro que cerró la primera temporada, muchos espectadores podrían esperar que los nuevos episodios profundicen principalmente en el origen extraterrestre de John Sugar.

Sin embargo, todo apunta a que la verdadera prioridad de esta segunda temporada será otra.

Más que responder preguntas sobre de dónde viene el personaje, la serie parece interesada en descubrir quién está llegando a ser.

Y quizás esa sea la evolución más interesante de todas.

Porque una vez revelado el gran secreto de Sugar, el verdadero misterio ya no es qué planeta dejó atrás John Sugar, sino cuánto de humano existe ahora dentro de él.

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La serie recupera muy bien esa esencia que hizo tan atractiva a Yellowstone: paisajes imponentes, tensión constante, conflictos de poder y personajes que entienden que sobrevivir siempre tiene un precio. Esta vez, el gran choque llega con un rancho rival liderado por Beulah Jackson, interpretada por Annette Bening, una figura poderosa que convierte el territorio en un campo de batalla marcado por la violencia, la ambición y las traiciones.

Lo que mejor hace Rancho Dutton es mantener vivo ese tono neo-western que ya es parte del sello de Sheridan. Hay adrenalina, hay dramatismo y hay esa sensación de que cada capítulo empuja a los personajes un poco más al límite. Y eso es justamente lo que hace que funcione: no se siente como un añadido forzado, sino como una extensión natural de un mundo que todavía tiene mucho por contar.

Al final, Rancho Dutton confirma algo que ya muchos sienten cuando ven una serie con el nombre de Taylor Sheridan detrás: hay una marca de calidad, una forma de contar estas historias que atrapa con facilidad. Si te gustó Yellowstone y conectaste con Beth y Rip, esta es de esas series que entran rápido y te dejan con ganas de seguir viendo más.

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La ficción pone el foco en Alex, el hijo de Rachel, que con apenas dos años fue el único testigo de la muerte de su madre. A partir de ahí, la historia sigue también al padre y a la forma en que intentó proteger a su hijo física y emocionalmente después de una tragedia imposible de procesar. Más que una serie sobre el crimen en sí, El testigo termina siendo una serie sobre lo que deja el crimen cuando las cámaras se van.

Lo mejor que tiene es justamente esa sensibilidad. El guion evita la violencia explícita y prefiere explorar el duelo familiar, el trauma psicológico y la relación compleja entre padre e hijo a lo largo de los años. Esa mirada le da un peso distinto, porque no busca impactar desde lo gráfico, sino desde lo emocional.

Con solo 3 capítulos, El testigo logra contar mucho sin alargar de más. Es una propuesta sobria, dolorosa y bastante humana, ideal para quienes buscan historias basadas en hechos reales que se interesen más por las secuelas emocionales que por el espectáculo del crimen.

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La guerra por el Trono de Hierro está entrando en una nueva etapa y, si algo quedó claro durante la conferencia de prensa virtual organizada por HBO Max, es que la tercera temporada de House of the Dragon no será una simple continuación de la historia, sino un punto de quiebre para prácticamente todos sus personajes.

Como medio especializado invitado por HBO Max, participé en el encuentro realizado los días 4 y 5 de junio, donde periodistas de distintos países tuvimos la oportunidad de conversar con parte del elenco y con Ryan Condal, cocreador, showrunner y productor ejecutivo de la serie basada en Fire & Blood, la obra de George R.R. Martin.

Durante casi una hora de preguntas, Condal habló sobre la evolución de la historia, defendió algunas de las decisiones más debatidas de la segunda temporada y adelantó que los próximos episodios llevarán la llamada Danza de los Dragones a niveles nunca vistos dentro de la serie.

Y aunque evitó entrar en spoilers concretos, dejó suficientes pistas para entender que los fanáticos de Westeros deben prepararse para una temporada mucho más intensa, oscura y ambiciosa.

Una guerra que ya no tiene vuelta atrás

Desde los primeros minutos de la conversación, Condal insistió en una idea: la historia siempre ha seguido un plan establecido.

Las reacciones divididas que generó el final de la segunda temporada no modificaron el rumbo de la producción.

“Tenemos un plan y vamos a seguirlo”, afirmó.

Para el showrunner, muchas de las críticas recibidas responden al tiempo que los espectadores deben esperar entre temporadas. Sin embargo, recordó que la historia fue concebida desde el inicio como un relato de cuatro temporadas y que algunos acontecimientos solo pueden entenderse cuando se observa el panorama completo.

Más que responder a los comentarios de redes sociales, Condal se mostró interesado en que el público vea la serie como una gran historia dividida en capítulos.

La temporada más oscura hasta ahora

Si bien House of the Dragon siempre ha tenido el tono trágico característico del universo de Game of Thrones, la nueva temporada parece llevar esa oscuridad mucho más lejos.

Durante la conferencia, Condal explicó que en las primeras temporadas todavía existía cierta esperanza de reconciliación entre los distintos bandos de la familia Targaryen. Esa posibilidad comienza a desaparecer a medida que las pérdidas se acumulan.

Según explicó, los personajes han llegado a un punto donde el deseo de venganza pesa más que la razón.

A medida que avanza la guerra, las decisiones se vuelven más extremas y las fronteras entre héroes y villanos se vuelven cada vez más difíciles de identificar.

“La palabra que define esta temporada es inevitabilidad”, comentó.

Y esa sensación estuvo presente durante gran parte de la conversación.

La Batalla del Gaznate marcará el inicio

Uno de los momentos más interesantes de la rueda de prensa llegó cuando se habló de la esperada Batalla del Gaznate (Battle of the Gullet), considerada uno de los enfrentamientos navales más importantes en la historia de Westeros.

Lejos de reservar el espectáculo para el final de la temporada, Condal confirmó que la serie comenzará con fuerza.

“Cuando suena la campana, lanzamos nuestro golpe más fuerte desde el principio”, dijo entre risas.

El productor reveló que esta secuencia lleva cerca de cuatro años de planificación y que representó uno de los mayores retos logísticos que ha enfrentado el equipo.

Sin embargo, dejó claro que el estreno no agotará las sorpresas.

“Puede parecer que gastamos todo el presupuesto en el primer episodio, pero no es así. Todavía queda mucha escalada por delante”.

Nadie está a salvo

Si hubo una frase que llamó especialmente la atención de los periodistas presentes fue cuando Condal habló sobre el futuro de los personajes.

“No creo que nadie ni nada esté a salvo de aquí en adelante”.

La declaración resume bastante bien el espíritu de la nueva temporada.

La guerra entre los Negros y los Verdes ha dejado de ser una disputa política para convertirse en una lucha por la supervivencia. Las consecuencias de cada decisión serán cada vez más graves y los personajes deberán enfrentarse a situaciones que pondrán a prueba sus principios.

Más que dragones o batallas, Condal insistió en que lo importante sigue siendo el drama humano detrás del conflicto.

Una Rhaenyra muy diferente

Uno de los personajes que más evolucionará será Rhaenyra Targaryen, interpretada por Emma D’Arcy.

Condal dedicó varios minutos a hablar sobre cómo el poder, la pérdida y la idea del destino están transformando a la heredera del Trono de Hierro.

Según explicó, Rhaenyra ha intentado gobernar siguiendo algunas de las enseñanzas de su padre, Viserys I Targaryen, pero la realidad de la guerra la obliga a tomar decisiones cada vez más difíciles.

Lo interesante es que la serie también explorará cómo la creencia en las profecías puede influir en quien ostenta el poder.

Condal planteó una pregunta provocadora:

¿Qué ocurre cuando alguien empieza a convencerse de que los dioses lo eligieron para gobernar?

La respuesta parece ser uno de los ejes principales de esta temporada.

Alicent sigue atrapada entre dos mundos

La situación de Alicent Hightower tampoco será sencilla.

Condal describió al personaje como una mujer marcada por años de manipulación política y conflictos familiares.

Aunque algunos acontecimientos recientes parecen haberla alejado de las posiciones más radicales de su bando, el creador considera que sigue siendo uno de los personajes más complejos de toda la historia.

Durante la conversación habló especialmente de la relación entre Alicent y Helena, adelantando que esa conexión tendrá un peso importante en los próximos episodios.

El personaje que podría sorprender a todos

Cuando un colega  preguntó qué personaje podría generar la mayor sorpresa este año, Condal respondió casi sin pensarlo.

Aegon II Targaryen.

El productor elogió el trabajo de Tom Glynn-Carney y explicó que la serie aprovechará espacios poco explorados en el libro para profundizar mucho más en la evolución del personaje.

Incluso bromeó sobre la dinámica entre Aegon y Larys Strong, señalando que podría ver una serie completa dedicada únicamente a las aventuras de ambos viajando por Westeros.

Fue uno de los momentos más relajados y divertidos de toda la conferencia.

Una producción gigantesca

Más allá de la historia, la escala de producción continúa creciendo.

Condal reveló que la tercera temporada requirió más de 300 días de rodaje, múltiples equipos filmando simultáneamente y trabajo en diversas locaciones entre Londres, sus alrededores y el norte de Gales.

Además de las grandes batallas, cada aparición de un dragón implica meses de preparación técnica y visual.

Escucharlo describir el proceso deja claro por qué la serie necesita tanto tiempo entre temporadas.

“No se pueden hacer dragones en tres meses”, comentó en tono de broma.

El principio del fin

La tercera temporada de House of the Dragon se estrenará el 21 de junio por HBO y HBO Max, contará con ocho episodios y concluirá el 9 de agosto.

Mientras tanto, el equipo creativo ya trabaja activamente en la cuarta y última temporada.

De hecho, Condal reveló que los primeros borradores ya están siendo entregados a HBO y que nunca habían estado tan adelantados en el desarrollo de una nueva entrega.

Al finalizar la conferencia, quedó la sensación de que el verdadero conflicto apenas está comenzando.

Si la primera temporada presentó a los jugadores y la segunda encendió la chispa, todo apunta a que la tercera será el momento en que la Danza de los Dragones se convierta en una tragedia imposible de detener.

Y por lo escuchado durante esta conversación, los espectadores deberían prepararse para un viaje tan espectacular como devastador.

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